Baza de imagini artistice sunt mijloace alegorice de expresie: metafora, simbolul, alegoria, litotă, hiperbolă.
În acest sens, directorul de spectacole de teatru este necesară nu numai să știe, dar, de asemenea folosi cu pricepere fondurile de expresie alegorica în procesul creativ de creare a script-ul, și procesul de implementare a acestuia.
Metafora - o comparație între două sau mai multe elemente semantice, de obicei aparținând diferitelor domenii.
compararea metaforice - o caracteristică de un lucru după altul. Este cunoașterea calității și proprietățile fenomenelor prin relația cu celelalte caracteristici, mai ușor de înțeles, sau mai bine cunoscut pur și simplu tipic și ilustrativ.
Metafora - transferul similitudinii.
Simbolul - un semn ca modalitate de fond semnificativ, unind împreună diferitele planuri de joacă în prezent artist de fapt bazat pe comunitatea lor semnificative, rudenie. Simbol - această „imagine“, luată în aspectul semnificației sale. Simbolul - un semn, dotat cu toate polisemie organice și inepuizabile a imaginii (albastru, o flacără eternă).
Exagerarea - (exagerat) este o metodă de generalizare artistică, prin imagini de artă se realizează prin exagerare intenționată orice proprietăți, calități, caracteristici ale obiectului, fenomen sau proces.
Hiperbola este o metodă importantă de delimitare a personajelor. Nu este vorba doar eroii epice și giganții puternici din cartea lui F. Rabelais' Gargantua și Pantagruel. "
Litotes - subestimarea artistice, care au primit o hiperbolă extern opus, dar, de fapt este un fel de legitim. În folclor - „Tom Degețel“ Două călătorii de Gulliver în Lilliput și în țara de giganți arată hiperbola și litotes se completează reciproc.
Utilizarea pe scară largă a mijloacelor alegorice de exprimare contribuie la exprimarea artistică a activității teatrale, poezia sa, imagini artistice.
KS etica teatrală Stanislavski.
În scrierile numeroase, discursuri, declarații și scrisori KS Stanislavski pot găsi de multe ori afirmația că cel mai important lucru în sistemul său, învățăturile sale despre teatru - etică, cerințele etice pentru angajații teatrului.
Etica KS Stanislavsky nu este abstractă și nu se opune etapa practică. Cu toate acestea, nu se dizolvă fără urmă în teatru, și îl trimite.
Stanislavski, referindu-se la standarde etice, nu acționează ca nefondată original și vizionar și își propune să continue în mod corect și consecvent tradiția artei democratice românești.
K. S. Stanislavski a fost format ca artist, bazându-se în primul rând pe cele mai mari tradiții ale realismului secolului al XIX-lea în arta și literatura română. El a fost un realist coerent și ferm, și scopul vieții sale a fost să dezvolte și să aprofundeze principiile realismului în artă și mai mult.
direcție realistă în teatru, proiectat pentru a efectua arta high end, și mai presus de toate scopul său social, KS Stanislavski mai târziu definită ca „școală de experiență“.
experiențe în arta teatrului atras de viață. Acesta atrage toate materialele pentru generalizări artistice numai de realitatea însăși. KS Stanislavski a scris: „Talentul a fost elastic, care este sensibil la frumusețea artistică. Artistice care înnobilează și înalță însuși artistul și să prezinte activitatea sa la public. Dimpotrivă, tot ceea ce se complace în sentimente umane mici sau pofta -. Lipsit de valoare artistică "
Scopul teatrului - nu pentru a distra, ci de a educa.
„Teatrul - este cel mai puternic amvon, chiar mai puternic în efectul său decât o carte, și apăsați. Acest Departament a ajuns în mâinile de gloata omenirii, și au un loc de dezmăț făcut. Sarcina mea, în ceea ce privește tăria mea, (dau seama), pentru a șterge șapte artiști din ignorant, pe jumătate educați și exploatatori. " /K.S. Stanislavski /
Colectivul de teatru, în cazul în care oamenii se gândesc la crearea acestei arte, serioase, având grijă de educație și autoeducație a actorului, grija aprobarea activă a standardelor etice stricte este o condiție necesară pentru a asigura o dezvoltare normală, sănătoasă a colectivului.
Actorul are nevoie de disciplina unui soldat. Cum de a lipi împreună un fel de grup de teatru?
„Pentru a soluționa între ele activitatea multor artiști și pentru a păstra libertatea fiecăruia dintre ele în mod individual, necesare principii morale care creează respect pentru creativ spirit de echipa de sprijin altor persoane în activitatea generală care protejează ceilalți și libertatea de creație și egoismul moderarea și instinctele rele ale fiecăruia dintre lucrătorii colective individual “.
Reproduce puncte Ascensionați sectiunea „Etica“, pentru că ei fac posibilă foarte de bază concluzii.
Etica în legătură cu art.
Parteneri de etică (colectiv de muncă).
Etica și co-creatori (poet, artist, director, costumer) (colectiv de artă)
Pentru toate teatru.
Intelege ceea ce este important în artă și să se joace. Servește ca un important, de fond.
Pregătiți nu la exterior și la utilizarea internă (execuție). Precizia și pedanteria în interior, mai degrabă decât exterior.
Nu folosiți arta ca un instrument pentru a avea succes în carieră, samopokazyvaniya. Dragostea nu este te în domeniu, și în arta de încredere în sine.
Învață să iubești arta pură.
12. Adu victima ...
15. Nu amuze arta (amatorism).
16. dragoste mai mult, și nici un mic succes.
În cazul în care numai participarea publicului - o treime din creatorul - există într-adevăr o scenă de artă de mare, este necesar să se poată conecta în timp și în mod corect acest creator. Nu numai la premiera, și pentru o perioadă de timp, spectacol cu participarea.
Spectatorul - o treime din creatorului - devine complet operațional. Deci, trebuie să fim dispuși și capabili să pună privitorul în poziția celui de al treilea creator. „După poetul, artiștii și alți membri ai piesei publicului, cum ar fi, o introducere în munca de creație, devenind unul dintre creatorii de performanță colectivă. În acest rol, privitorul intră involuntar atmosfera de poezie și artă, care aduce un gust simț estetic și instigă restabilește viața artistului, adormită în sufletul fiecărei ființe umane. "
Îngrijire KS Stanislavski privind supraviețuirea și dezvoltarea continuă a experienței artei, principiile realismului în teatru extins la toate punctele din activitatea grupului de teatru. El sa revoltat împotriva puternic grabă în pregătirea performanței. Dar el nu a fost un sclav, și termenele limită. KS Stanislavsky nu a permis să se vine în principal în arte. Deoarece abordarea conceptului de artă?
- Învață de la marele artist să subordoneze fiecare pas în crearea obiectivelor sale publice, civile.
- Afirma etică, cerințele etice în viața grupului de teatru.
Scopul cel mai înalt al artei nu va fi permis să fie conținut în ea mic și dur. Ei au nevoie pentru a realiza cele mai complexe și mai mari în ea - că un realism înalt, rafinat, al cărui nume este o experiență de artă.
Cu toate cele de mai sus, învățătura legată KS Stanislavski despre actorul reîncarnare pe scena.
Experiența școlară este de neconceput fără transformare, pentru că numai în procesul de transformare a actorului poate crea un caracter complet și fără întreruperi a scenei.
Reîncarnarea aduce la viață din cauza naturii naturii creatoare a actorului, fuziunea artistului și mijloacele de expresie a imaginii. Reîncarnare - obligatoriu, etapa finală a unei arte cu adevărat realistă.
KS Stanislavski: „Reîncarnarea nu este să scape de el, și că acțiunile rolului pe care înconjoară-te cu rolul propus de circumstanțele și astfel să le szhivaetsya că deja nu știu de unde am fost, și în cazul în care rolul?“. Asta este acum, aici este reîncarnarea. "